/ Форум / Архив / Увлечения

Ответ для Хипи:
Коля,уж если начал про финнафф,то тогда уж, рассказывай про -Stratovarius.

Ответ для Stich: Вот тебе мой дорогой товарисч статейка об этой замечательной финской пауэр-метал-группенции!
"Stratovarius" был основан в 1984 году тремя парнями из Хельсинки (Финляндия): барабанщиком и вокалистом Туомо Лассила, басистом Джоном Вихерва и гитаристом Стаффаном Страхлманом. До этого ребята играли в том же составе под названием "Black Water". Музыка раннего "Stratovarius" очень отличалась того, чем это является сегодня. В ней явно чувствовалось влияние "Black Sabbath" и Оззи Осборна. В конце 1984 года басист Джон покинул группу, а ему на замену был взят Йирки Лентоне, ранее выступавший вместе с Тимо Толкки в команде "Road Block". В 1985-м Стаффану надоело играть в "Стратовариусе", и за неделю до планировавшегося концерта в Дании он свалил из группы. Туомо Лассила позвонил Тимо Толкки и попросил его присоединяться к ансамблю, и тот согласился. В то время роль вокалиста все еще исполнял Туомо, но скоро стало очевидно, что его голосовой диапазон не подходит для музыки, которую исполняли "Stratovarius". Но подходящего певца найти не удалось и вокальные партии взялся исполнять Толкки.
С этого момента саунд группы стал более похож на сегодняшний - очень мелодичный с влиянием музыки Ричи Блэкмора и стиля барокко. После серии концертов в Хельсинки в 1987 году музыканты записали первую демоленту, содержащую песни "Future Shock", "Fright Night" и "Night Screamer". "Stratovarius" взяла под крыло финская компания "CBS". Тогда же в команде появился клавишник Антти Иконен.
В 1988-м вышел первый сингл "Future Shock/Witch Hunt". В 1989-м вышел еще один, "Black Night/Night Screamer", а за ним появился дебютный альбом "Fright Night". В том же году команда много гастролировала, включая выступления вместе с "Anthrax" и другими известными металлистами. В конце года состав покинул басист Йирки Лентонен. Следующую запись "Stratovarius" финансировали сами, поскольку "CBS" потеряла к ним интерес. Басовые партии записывал Тимо, хотя в команду был принят новый басист Яри Бем. Но стиль игры последнего не соответствовал музыке "Стратовариуса", и его попросили уйти. Второй альбом, под названием "Stratovarius II" был выпущен в Финляндии в начале 1992-го. Спустя некоторое время он появился на прилавках европейских магазинов как "Twilight Time". Вскоре диск попал в Японию, где целых пять месяцев торчал в десятке лучших импортных пластинок.
Группа получила контракт от "JVC Victor Entertainment", которая в 1993 году выпустила альбом в Японии. Под конец сессий для нового диска в команде появился новый басист Яри Кайнулайнен. В то время Туомо провалялся в больнице 8 недель и запись заканчивалась при участии Сами Куоппамаки. Наконец в начале 1994 года третий альбом, "Dreamspace", был выпущен во всем мире. Этот релиз заслужил высокую похвалу критиков.
После успешных японских гастролей группа снова засела в студии. Тимо Толкки параллельно успел записать сольный альбом "Classical Variations and Themes". Тогда же Тимо решил, что "Stratovarius" должны найти себе нового певца. Так в группе появился Тимо Котипелто. Записанный при его участии альбом "Fourth Dimension", разошелся тиражом вдвое большим чем его предшественник. После изнурительных гастролей по Европе и Японии в команде начались разногласия, в результате чего из состава ушли "старички" Туомо Лассила и Антти Иконен, а в группу были приняты барабанщик Йорг Майкл и клавишник Йенс Йоханссон.
Новый диск "Episode" 1996 года стал большим шагом вперед для "Stratovarius". С новым свежим саундом, привнесенным Йоханссоном и Майклом получился драматично-мелодичный металлический альбом. К его записи были привлечены хор из 40 человек и струнный оркестр. Альбом содержал классические вещи "Stratovarius", такие как "Father Time", "Eternity" и "Will the Sun Rise?".
Следующий диск, "Visions" вышел в апреле 1997-го, и сразу же оказался на 5-й позиции финских чартов. Альбом быстренько достиг золотого статуса. Во время последующего тура был записан "живой" двойник "Visions of Europe", который был выпущен в марте 1998-го. Новый альбом, "Destiny", занял в финских чартах верхнюю строчку еще до его официального выхода. В 1999 году "Stratovarius" был признан в Финляндии лучшей металлической группой, а Тимо Толкки – лучшим музыкантом.
Дискография
1.Fright Night (1989)
2.Twilight Time (1992)
3.Dreamspace (1994)
4.Fourth Dimension (1995)
6.Episode (1996)
7.Visions (1997)
8.Visions Of Europe (Live)(1998)
9.Destiny (1998)
10.Infinite (2000)
11.Intermission (2001)
12.Elements. Part 1 (2003)
13.Elements. Part 2 (2003)
14.Stratovarius (2005).
Пока это всё. Если у них есть еще альбомы, то мне о них ничего не известно. Пусть о них напишет тот, кто знает. С уважением - Heepie.

Для Хипи и не только: Одной из моих любимых групп в готик-метал-роке является британская банда:
PARADISE LOST
Группа "Paradise Lost", взявшая свое название из эпической поэмы Джона Мильтона, стартовала в 1988 году в местечке Халифакс (графство Йоркшир). В оригинальный состав вошли Ник Холмс (р. 7 января 1970; вокал), Грег Макинтош (р. 20 июня 1970; гитара), Аарон Аеди (р. 19 декабря 1969; гитара), Стив Эдмондсон (р. 30 декабря 1969; бас) и Мэттью Арчер (р. 14 июля 1970; ударные). В конце 80-х квинтет записал пару демок, "Drown in Darkness" и "Frozen Illusion", с помощью которых причалил к гавани под названием "Peaceville Records". В 1990 году вышел диск "Lost Paradise", ставший, по сути, первым релизом в стиле дум-дэт. Поначалу мало кто заинтересовался творчеством йоркширских музыкантов, но когда вышел второй альбом (прямо потрясающий!), в прессе замелькали восторженные рецензии.
Название "Gothic" достаточно хорошо характеризовало депрессивную музыку "Paradise Lost", в которой появились женские вокалы и клавишные. В поддержку диска команда провела свое первое европейское турне и тем самым привлекла в свой стан немало поклонников, а также заинтересовала лейбл "Music for Nations", с которым был заключен новый контракт.
На двух следующих работах группа постепенно стала избавляться от дэтового привкуса, сохраняя при этом фирменную депрессивную меланхоличность. Наиболее значительным произведением того периода стала песня "As I Die", особо полюбившаяся поклонникам "Paradise Lost" и ставшая на долгое время концертным фаворитом. Смена курса, а также изматывающие гастроли привели к уходу Мэттью Арчера, который уступил ударную установку Ли Моррису. В 1995 году группа окончательно вывела формулу "готического металла" с работой "Draconian Times". Альбом занял 16-е место в чартах и стал самым коммерчески успешным релизом "PL" на тот момент.
Каково же было удивление "парадайзофилов", когда два года спустя на свет появился нашпигованный электроникой "One Second". В итоге некоторые из фанов отвернулись от "Paradise Lost", но большинство сохранило верность. Кроме того, среди поклонников команды появилось много неофитов, что дало музыкантам повод еще поэкспериментировать с мэйнстримом. Оказалось, что группа способна выдавать качественный материал и без тяжелых гитарных риффов, но, вдоволь наигравшись с новомодными фишками, коллектив все же вернулся к своим корням.
В 2002 году команда под руководством продюсера Риса Фулбера ("Fear Factory", "Front Line Assembly") выдала мощный альбом "Symbol Of Life". Помимо собственного материала "Paradise Lost", за который как обычно отвечали Холмс и Макинтош, диск содержал пару каверов: "Small Town Boy" от "Bronski Beat" и "Xavier" от "Dead Can Dance". В 2004-м десятилетняя стабильность состава была нарушена уходом Морриса, чье место занял Джесс Сингер.
В 2005 году все с тем же Фулбером был записан "юбилейный" десятый студийник, сессии которого проходили в Линкольншире и Лос-Анджелесе. Озаглавленный просто "Paradise Lost" и возвращавший слушателя к тяжелому гитарному саунду, альбом доказал что у музыкантов еще достаточно пороха в пороховницах.
В этом году увидел свет их одиннадцатый альбом "In Requiem".
Дискография:
1.Lost Paradise (1990)
2.Gothic (1991)
3.Shades Of God (1992)
4.Icon (1993)
5.Draconian Times (1995)
6.One Second (1997)
7.Reflection (1998)
8.Host (1999)
9.Believe In Nothing (2001)
10.Symbol Of Life (2002)
11.Paradise Lost At The BBC (2003)
12.Paradise Lost (2005)
13.In Requiem (2007).

Ответ для Хипи:

Для Хипи и только:

Извини, Коль, а нам можно читать?

Ответ для Ефа: Извини, милая, я допустил небольшую ошибку, но теперь уже всё исправил. Можно конечно. С уважением - Heepie.

Ответ для Хипи:
Вспомнила еще одну группу "Europe"

Все началось в 1978 году, когда басист Петер Олссон, гитарист Джон Норум и ударник Тони Рено решили организовать группу "Force". Спустя некоторое время к ним присоединился 14-летний Джоуи Темпест, только что ушедший из команды "Roxanne". Парни записывали демки, и рассылали их звукозаписывающим компаниям, но отовсюду получали ответ, что для того чтобы получить контракт им надо коротко подстричься и петь на шведском языке. В 1981-м Олссон ушел из группы, а освободившееся место занял Джон Левен, некоторое время работавший также и с Ингви Мальмстином. На следующий год в Швеции проходил конкурс молодых рок-талантов "Rock SM", а организатор этого события и будущий менеджер "Европы" Томас Эрдтман получил более 4000 демопленок. К счастью подружка Темпеста уговорила ребят тоже записать демку. Те набросали пяток композиций, четыре из которых впоследствии вошли в первый альбом "Europe". Записать-то их парни записали, да забыли про них и забросили, но мудрая девчонка все-таки нашла и отправила пленку куда надо.

В результате "Force" выиграли конкурс, поскольку Эрдтман давно уже подыскивал команду, игравшую в таком стиле. Джоуи был признан лучшим вокалистом, а Джон одним из лучших гитаристов, а самой главной наградой стало выделение бюджета, пусть даже маленького, для записи дебютной пластинки.

Сменив название на "Europe", группа в 1983 году выпустила одноименный альбом. Диск был тепло встречен публикой, неплохо продавался, и музыканты отправились в свое первое турне по родной Швеции. Заезжим японцам пластинка также понравилась, и результатом стал выход этого альбома в Стране Восходящего Солнца. Самой же популярной на Востоке оказалась песня "Seven Doors Hotel", попавшая в японскую горячую десятку. На следующий год "Europe" выпустили второй альбом, "Wings Of Tomorrow", также хорошо продававшийся и имевший положительные рецензии. В то время партии клавишных исполнял Джоуи Темпест, но для него было несколько неудобно совмещать две обязанности, особенно на сцене. В итоге было решено взять "чистого" клавишника, каковым стал Мик Михаэли из "Avalon". Вскоре после этого произошла еще одна замена: прогульщик Тони Рено был уволен, а место за ударными занял Ян Хогланд. Сформированный таким образом состав впоследствии и получил всемирную известность.

Параллельно с новым туром "Europe" приняли участие в молодежном фильме "On The Loose", для которого Темпест написал саундтрек. Наибольшей популярностью с этой звуковой дорожки пользовались песни "Rock The Night" и "Broken Dreams". Третий альбом, "The Final Countdown", вышедший в мае 1986 года, принес группе мировую славу. Восторги критиков, толпы поклонников и как результат – свыше 7 миллионов проданных пластинок. В сентябре того же года стартовало первое мировое турне "Европы".

Однако не все было хорошо: бремя славы тяготило Норума, да к тому же его музыкальные вкусы ("Scorpions" и "Dokken") расходились со вкусами остальных членов группы, предпочитавших стиль "Toto" и "Journey". В результате Джон ушел делать сольную карьеру, а новым гитаристом стал Ки Марселло, игравший ранее в глэм-роковой банде "Easy Action". Тем временем "The Final Countdown" лидировал во многих европейских хит-парадах и даже залез на восьмую строчку "Billboard". После глобального мирового тура, закончившегося на фестивале "Rock in Rio", "Europe" приступили к записи нового альбома. Из-за ошибок менеджмента в промоушене "Out Of This World" не смог повторить успех своего предшественника, хотя его тираж составил два миллиона копий. Команда продолжала собирать многотысячные площадки, однако разногласия с продюсером и изменившийся вскоре музыкальный климат сделали свое дело. Диск "Prisoners In Paradise" имел слабую раскупаемость, и после тура в его поддержку "европейцы" решили сделать перерыв.

Каникулы продлились больше десяти лет, и лишь в конце 2003 года было объявлено о возобновлении деятельности. Классический состав образца "The Final Countdown" провел мировое турне и в 2004-м выпустил новый альбом "Start From The Dark". Работа имела "альтернативный" привкус, но, тем не менее, компакты расходились неплохо, и со временем их тираж перевалил за полмиллиона. Следующий студийник вышел в 2006-м. На нем "Europe" отбросили всякие современные фишки и вернулись к своему традиционному мелодичному хард-року.

Дискография
Europe - 1983
Wings Of Tomorrow - 1984
The Final Countdown - 1986
Out Of This World - 1988
Prisoners In Paradise - 1991
Start From The Dark - 2004
Secret Society - 2006

Ответ для Хипи:
Коля,расскажи пожалуйста *апщественнасти* про группенцию-Napalm Death и её ударника, Мика Харриса, в частности.
С уважением

Ответ для Stich:

Stich:
Коля,расскажи пожалуйста *апщественнасти* про группенцию-Napalm Death

NAPALM DEATH
Группа "Napalm Death" является пионером жанра грайндкор, представляющего собой гремучую смесь панка и трэша. Команду организовали в 1982 году два бирмингемских тинэйджера: Ник Баллен и Майлс Ратледж. Около двух лет парни потратили на пробные записи, сделанные в духе анархо-панка "Crass" и "Flux of Pink Indians". Лишь в 1984 году группа провела один концерт, после чего проект на некоторое время впал в ступор. Дело сдвинулось с мертвой точки, когда в "Napalm Death" пришел гитарист Джастин Бродрик, с которым было записано демо "Hatred Surge". Стиль "Napalm Death" значительно изменился - в нем стало заметно влияние таких коллективов как "Discharge", "Possessed" и "Celtic Frost". Движение в экстремальном направлении, поддерживаемое Балленом и Бродриком, пришлось не по вкусу Ратледжу, и он освободил ударную установку для Мика Харриса. С 1985 года группа вела активную концертную деятельность, а в 1986-м записала пару демок, одна из которых стала первой стороной дебютного альбома.
Когда в "Napalm Death" на роль басиста пришел Джим Уайтли, Баллен сосредоточился на вокальных обязанностях. Однако вскоре после этого Джастин сбежал в "Head Of David" и Ник, уже и так начавший терять интерес к проекту, решил вообще завязать с музыкой. Новым гитаристом группы стал Билл Стир из "Carcass", а место фронтмена занял Ли Дорриан. С их помощью была дописана вторая сторона "Scum", и в 1987-ом пластинка, содержавшая такую классику грайнда как "Dragnet", "Mind Control" и "You Suffer", вышла на лейбле "Earache".
В промо-турне "Napalm Death" поехали уже без Уайтли, чье место занял бывший драммер "Unseen Terror" Шейн Эмбури. После визита к Джону Пилу и участия в создании пары сборников коллектив записал "From Enslavement To Obliteration", являвшийся музыкальным наследником "Scum". По окончании сопутствующего мирового турне Стир решил сосредоточиться на работе "Carcass", а Дорриан организовал дум-бэнд "Cathedral". На сей раз гитаристом "Napalm Death" стал Джесс Пинтадо (экс-"Terrorizer", у. 27 августа 2006), а микрофон достался Марку "Барни" Гринвэю из "Benediction". После участия в туре "Grindcrusher" команда пополнилась гитаристом Митчем Харрисом (экс-"Righteous Pigs). Свое следующее творение "Napalm Death" записывали в студии "Morrisound" с продюсером "Cannibal Corpse" Скоттом Бернсом, и это не могло не отразиться на их саунде, который стал ближе к дэт-металлу.
Смена стиля не понравилась Мику, и он ушел, освободив место для друга Пинтадо, Дэнни Херрера. Впрочем, отставка барабанщика была поспешной, поскольку на следующем альбоме, "Utopia Banished", коллектив вернулся к своим грайндовым корням. На диске 1994 года "Fear, Emptiness, Despair" группа решила немного поэкспериментировать и ввела в обиход проиндустриальные структуры и более ритмические риффы.
Между тем, в коллективе потихоньку нарастали трения, и после выхода "Diatribes" из "Napalm Death" ушел Барни, обменявшийся местами с фронтменом "Extreme Noise Terror" Филом Вэйном. Но если "ENT" удалось задействовать Гринвэя в записи своего альбома, то Вэйн подобной чести не удостоился, и к началу сессий "Inside The Torn Apart" рокировка прошла в обратную сторону. На этом альбоме и следующем "Words From The Exit Wound" следы экспериментаторства еще оставались, но на "Enemy Of The Music Business" и "Order Of The Leech" напалмовцы взялись дорабатывать грайндкоровские составляющие и довели скорость исполнения и агрессивность звука до небывалых высот. В записи последнего из этих дисков Пинтадо уже не участвовал, а в 2004-м гитарист вообще свалил из "Napalm Death". В том же году вышел альбом каверов "Leaders Not Followers: Part 2", в который вошли композиции от "Cryptic Slaughter", "Massacre", "Kreator", "Sepultura", "Siege" и "Discharge".
Следующая работа, "The Code Is Red... Long Live The Code" была записана с участием ряда гостей: Джеффа Уолкера (экс-"Carcass"), Джейми Джасты ("Hatebreed") и Джелло Биафры (экс-"Dead Kennedys"). Но если появление этих товарищей к компании с "Napalm Death" выглядело вполне логичным, то в 2006-м бирмингемские экстремальщики сделали неожиданный ход, пригласив на сессии альбома "Smear Campaign" вокалистку "The Gathering" Аннеке ван Гиерсберген. Впрочем, тут обошлось без негативных последствий, и работу приняли с восторгом как фаны "Napalm Death", так и критики.
Дискография:
1.Scum (1987)
2.From Enslavement To Obliteration (1988)
3.The Peel Sessions (1989)
4.Harmony Corruption (1990)
5.Live Corruption (1990)
6.Utopia Banished (1992)
7.Fear, Emptiness, Despair (1994)
8.Diatribes (1996)
9.Inside The Torn Apart (1997)
10.Bootlegged In Japan (1998)
11.Words From The Exit Wound (1999)
12.Enemy Of The Music Business (2001)
13.Order Of The Leech (2002)
14.Punishment In Capitals (2002)
15.Leaders Not Followers: Part 2 (2004)
16.The Code Is Red... Long Live The Code (2005)
17.Smear Campaign (2006).

Ответ для Хипи:
2 Апщесственасть!Просушивание группы-Napalm Death может серьёзно ранить ваш мозг,так,что будте осторожны.С уважением

Ответ для Андрей и не только: Благодаря той легендарной личности, которая когда-то родилась в этой группе, она достойна того, чтобы я о ней рассказал...
MERCYFUL FATE
В конце 70-х гитаристы Ханк Шерманн и Майкл Деннер играли в малоизвестной в Европе, но довольно известной у себя дома в Дании панковской команде "Brats". Когда группа успешно развалилась они организовали другой проект "Danger Zone". Помимо них туда также вошли вокалист Кинг Даймонд (Ким Петерсон), басист Тими Граббер и ударник Ким Разз. Даймонд к тому времени уже прославился своими "кровавыми" шоу в "Black Rose". Он же со своим вокалом определил направление новой команды, далеко отличное от панка. Записав свою первую демку группа решила поменять вывеску на "Mercyful Fate". "Love Criminals" была запущена в тяжелую ротацию на датском радио, благодаря чему о коллективе заговорили. Далее последовали еще две демоленты, причем последняя оказалась настолько сильной, что группой заинтересовались солидные дядьки из английской "Ebony Records". С их помощью композиция "Black Funeral" попала на металлический сборник "Metallic Storm".
Чуть позже интерес к "Mercyful Fate" проявила голландская фирма "Rave On", на которой в 1982 году вышел первый мини-альбом "Corpse Without A Soul". Теперь команду заметили и за океаном и американский журнал "Metal Mania" обозвал пластинку "EP года".
Зарулив с концертами весной 1983 года в Англию группа заодно записала несколько треков ("Evil", "Satans Fall", "Curse Of The Pharoahs") для радио BBC. Дальнейшим ходом стало заключение контрактов с европейской "Roadrunner" и британской "Music For Nations". В 1983 году на прилавках появился альбом "Melissa", названный так в честь датской средневековой ведьмы. Вкупе с живыми шоу пластинка имела неплохой успех. "Mercyful Fate" устроили диску должный промоушен выступая с концертами вместе с Гилланом, "Uriah heep" и "Girlschool". В 1984-м вышел второй альбом "Don't Break The Oath", имевший гораздо больший успех, чем его предшественник. Впервые группа отправилась за океан, где поиграв на разогреве у "Motorhead" сама выступила в качестве хедлайнеров.
В общем все шло хорошо, как вдруг в 1985-м году команду оставил Шерманн, который решил уйти в группу "Fate" и заняться коммерческой музыкой. Кинг, почесав репу, прихватил с собой Деннера и Граббера (взявшего псевдоним Тими Хансен) и организовал "King Diamond".
Спустя восемь лет ему пришла в голову идея возродить "Mercyful Fate", на что Шерманн, Деннер и Хансен ответили согласием. Вместо Кима Разза, подавшегося в почтальоны, за ударные посадили Мортена Нельсона. Возвращение группы состоялось на легендарном фестивале "Dynamo" в Эйндховене в июне 1993-го. На камбэке того же года "In The Shadows" в качестве гостя принял участие Ларс Ульрих из "Металлики". Несмотря на то что прошло много лет, музыка коллектива практически не изменилась. Хотя все думали, что возрожденный проект будет недолгим, музыкантам понравилось играть вместе и они продолжили совместную работу. В начале 1996-го за ударную установку сел Бьорн Ти Холм, а чуть позже в команде появился новый басист Шарли Д'Анжело.
Пока в 1997 году большинство музыкантов "Mercyful fate" было занято в сторонних проектах "Roadrunner Records" отремастерила ранние работы группы и добавив туда бонусные треки выпустила их в свет. Тенденция к сайд-проектам продолжилась и дальше, хотя группа выпускала пластинки и выступала с концертами. Сам же Кинг Даймонд успевал работать и в "Mercyful Fate" и в своем "King Diamond".
Дискография
1.Melissa (1983)
2.Don't Break The Oath (1984)
3.The Beginning (1987)
4.Return Of The Vampire (1992)
5.In The Shadows (1993)
6.The Bell Witch (1994)
7.Time (1994)
8.Into The Unknown (1996)
9.Dead Again (1998)
10.9 (1999).
О творческом пути KING DIAMOND я расскажу либо здесь, либо в моей соседней теме "Рок-классика...", быть причисленным к которой он вполне заслуживает. С уважением - Heepie.

Ответ для Хипи:
Николай,ты таки поведай народу про совместный проект Харриса-Зорна-"PainKiller" понимаю что музон на любитея,но думаю,что людям будет интересно. С уважением

Ответ для Stich: Извини, я просто о такой вообще не слышал, но если найду чего-либо, то обязательно напишу о ней! С уважением - Heepie.

Ответ для Stich:
нашла, но на англ. переводить лень, может владеешь
Painkiller (also officially known as Pain Killer) is a band originally formed in 1991. Their style can be described as a mix of avant-jazz and grindcore; later albums also incorporated elements of ambience and dub.
а дальше к сожалению не пускают, английский стал нецензурным:
В тексте сообщения есть похожие на нецензурные слова или их сочетание.

хочешь могу в личку, может там пройдет.

Ответ для Stich и Ефа: Друзья, у меня к вам убедительная просьба: не меняйте пожалуйста название моей темы! С уважением - Heepie.

Ответ для Хипи:

Друзья, у меня к вам убедительная просьба: не меняйте пожалуйста название моей темы!

прости, не поняла, если я нашла инфу это означает, что я меняю название темы?

Ответ для Stich: На русском, к сожаленью, о группе "PainKiller" я ничего не нашёл, а нашёл на французском, да и то очень мало...

PainKiller
Derriere le projet Pain Killer se cachent John Zorn (au saxophone), Bill Laswell (a la basse) et Mick Harris (a la batterie, qui fut egalement le batteur de Napalm Death). Ce "super-groupe" se forme en 1991 sous l'implusion de l'ambitieux Zorn, qui souhaitait parvenir a melanger le death metal ou le grindcore avec du free-jazz.

PainKiller Disques
1997: Collected Works : The Complete Studio Recordings 1991-1994

Извини, но это всё, что я нашёл. С уважением - Heepie.

Ответ для Stich: Слава Богу! Нашёл тебе кое-что и на русском...
Pain Killer - Guts Of Virgin / Buried Secrets (1998 by Earache records)
Grind-Core - разновидность death-metal, отличавшаяся сверхкороткими песнями, которые состояли практически из одних смен ритма. В общем, обычное извращение в среде болезненных подростков, желающих прослыть королями металла, но не способных по-настоящему самовыразиться. Был популярен в конце 80-х - начале 90-х годов ХХ века. По сложившейся традиции самое стоящее, что было сделано в этом жанре, в то время прошло мимо внимания публики. Видимо, потому, что при создании сих шедевров не было использовано ни единой шестиструнной электрогитары.
Эпицентр распространения грайнд-коровой заразы находился в городе Нью-Йорке. К счастью, помимо мечтающих стать рок-звездами любой ценой пацанов в этом городе обитает также и неимоверное число безумных авангардистов и экспериментаторов. Естественно, что двое таких экспериментаторов не только задумались над новой модой, но и смогли выжать из заданных ей рамок нечто действительно интересное. Это были саксофонист Джон Зорн (John Zorn) и бас-гитарист Билл Ласвелл (Bill Laswell). Оба уже к тому моменту имели богатые послужные списки, перечисление которых могло бы безнадежно оборвать нить настоящего повествования, поэтому об этом - как-нибудь в другой раз. А также общую на двоих репутацию артистов в равной степени великих и сумасшедших. После того, как эту уже вызывающую интерес с опаской пополам увенчали барабаны настоящего знатока того самого грайнд-кора Мика Харриса (Mick Harris), на свет родилась группа Pain Killer.
Трио действовало лишь на протяжении одного 1991 года - однако успело записать за это время два получасовых альбома, переизданных теперь "сплитом". Помимо игры на своих инструментах Зорн и Харрис очень много дерут здесь глотки, издавая не только традиционный для тех времен гроулинг, но и взятый позднее на вооружение скриминг. Замещение электрогитары на саксофон было здесь естественным жанром. Сообразив, что многочисленные смены ритмов роднили бы грайнд-кор с джазом, кабы не излишняя, идущая от изначального низкого исполнительского уровня выверенность первого, а соло на саксофоне по-любому будет мелодичнее соло на гитаре, Зорн и Ласвелл при поддержке Харриса снесли стену между двумя стилями. От грайнд-кора, прореженного джазовыми изощренностью и непредсказуемостью, осталась, пожалуй, лишь беспредельная агрессия исполнения.
Начинающаяся с барабанных бласт-битов "Buried Secrets" ближе к финишу разражается постепенно замедляющейся долбой отбойного молотка. В "Dr.Phibes" трио вовсе сползает на вполне танцевальный фанк, да только исполнен этот фанк пугающей металлической мощи. В начале "Black Chamber" Зорн перестает насиловать свой инструмент в гитарном регистре и запиливает по-джазовому безупречное соло-слалом промеж расставляемых бочками Харриса знаков препинания. Ну, а название "Blackhole Dub" говорит само за себя. Это действительно производное от регги, но отнюдь не солнечное. Бас Ласвелла во всех композициях работает на нескольких уровнях восприятия, выдавая одновременно и красивые синкопы, и сверкающие многоминутным самолюбованием амбиентные призвуки, и дикий скрежет одичавшего на самых фешенебельных помойках Нью-Йорка бульдозера. Драйв такой, что шестиструнных гитар уже не надо.
Да, жаль конечно, что Pain Killer в свое время не получили такого резонанса, как Napalm Death и Cannibal Corpse. Впрочем, ни один собственный проект Зорна или Ласвелла не становился достоянием попсовой публики. Зато время расставило все на свои места, и оба альбома Pain Killer переиздаются уже в третий раз (второе издание было в 1998 году). Их интересно слушать и сейчас, когда мода на грайнд-кор схлынула, а сам этот стиль естественным образом выродился. Как, следует заметить, и многие другие работы Зорна и Ласвелла - музыкантов, способных сделать нечто стоящее даже из того, что изначально задумывалось как отдушина для бездарей.

Ответ для Хипи:
Здравствуй Николай!Вот что мне выдал Джаз.ру по запросу:

Не так уж много в современной музыке фигур, чья деятельность была бы овеяна таким туманом легенд и слухов, как это происходит с нью-йоркским саксофонистом, композитором и продюсером Джоном Зорном. При этом в современной музыке, прежде всего - современной импровизационной музыке, не так много фирм грамзаписи, которые пользовались бы более весомым авторитетом, чем возглавляемый Джоном Зорном на протяжении последних почти уже 11 лет лейбл Tzadik.
Само название лейбла говорит о том, что среди основных направлений его деятельности есть культурное наследие еврейской традиции, в которой слово "цадик" означает человека праведной жизни, ревнителя веры или же борца за веру. Ни для кого не секрет, что значительную часть населения Нью-Йорка составляют потомки массовой эмиграции евреев из Восточной Европы - бывшей Российской империи, бывшей Австро-Венгрии, Польши и так далее. Множество молодых нью-йоркских джазовых музыкантов в течение 1980-х, когда в США происходил мощный культурный подъем, связанный с поисками "нового самосознания" (прежде всего - в области сохранения и возрождения национальных культур, сплавившихся в многообразную современную культуру американской нации), открыло для себя культурное наследство своих предков. Вовсе не обязательно еврейских: в те же годы происходил и подъем интереса к традиционным кельтским (прежде всего - ирландской) культурам, обращение афроамериканцев и значительного числа белых интеллектуалов к изучению корневых культур Африки, да и в целом расцвет интереса к "музыке мира" в частности и к традиционным культурам вообще приходится именно на этот период.
В начале 90-х обратился к культуре своих еврейских предков и Джон Зорн, уже имевший репутацию одного из самых радикальных, ярких и интересных музыкантов-импровизаторов нью-йоркского Даунтауна. Он родился 2 сентября 1953 г. во Флашинге, относительно благополучном районе нью-йоркского округа Квинс, и в 14-летнем возрасте открыл для себя современную академическую музыку, немедленно начав ее не только слушать, но и сочинять. Годы учебы Зорна в колледже в далеком от Нью-Йорка Сент-Луисе ознаменовало знакомство с авангардным джазом - Энтони Брэкстоном, Орнеттом Коулменом и такой знаковой фигурой на стыке джаза и академической музыки, как Роско Митчелл. Вернувшись в первой половине 70-х в Нью-Йорк, Джон поселился в Нижнем Манхэттене, в то время только становившемся Меккой джазового (и не только джазового) авангарда. Следующие полтора десятилетия сформировали его как музыканта невиданной эклектичности: Зорн играл в любых стилях, от джаза до рока, от электроники до современного академического авангарда, и не просто играл, но стремился смешивать все эти виды музыки для получения результатов, которые должны были оказаться чем-то большим, чем сумма составляющих их элементов.
Контракт с лейблом Electra/Nonesuch в середине 80-х заключал уже опытный музыкант и композитор, завоевавший репутацию одного из творческих лидеров новой импровизационной музыки, чьей столицей в те годы стал Нижний Манхэттен - нью-йоркский Даунтаун. Бесчисленные разностилевые (или межстилевые) проекты Зорна - от смеси фри-джаза и хэви-метал в группе Painkiller до безумных звуковых коллажей коллектива Naked City, где стиль звучания радикально меняется каждые несколько минут - упрочили эту репутацию, а его частые и продолжительные отлучки в Японию, где он жил по несколько месяцев в году, изучая местную авангардную сцену (не менее радикальную, чем нью-йоркская), добавили образу Зорна флёра загадочности и непредсказуемости. Интриговали и подробности о личности Зорна, раскрывавшиеся крайне редко: он - человек крайне закрытый, антипубличный. В редких интервью (он не любит общаться с прессой и, в частности, почти никому не разрешает себя фотографировать) он проговаривался, что у него нет семьи, что он живет в квартире, где нет кухни - кухню он переоборудовал, потому что ему негде было держать книги... Так это, или это часть его легенды (как, например, широкие камуфляжные штаны, в которых он неизменно появляется на публике) - сказать довольно трудно. Но факт, что Джон Зорн - личность весьма загадочная и при этом обладающая мощной лидерской харизмой.
1990-е - время, когда лидерское положение Зорна в музыкантском сообществе Даунтауна становится очевидным. В 90-е он расходится с фирмами, которые записывали его ранее, расходится с ведущим тогда авангардным клубом Даунтауна - Knitting Factory - и его лидером Майклом Дорфом, создает свой клуб - Tonic (а впоследствии - еще и The Stone), один из лучших своих музыкальных проектов - акустический квартет Masada (с трубачом Дейвом Дагласом, контрабасистом Грегом Коэном и барабанщиком Джои Бэроном), в рамках которого успешно соединяет идеи и приемы современного "нового джаза" с наследием еврейской музыки разных эпох. Наконец, именно в 90-е - а точнее, в 1994-м - Джон Зорн создает собственный лейбл, тот самый Tzadik.
За 10 последующих лет лейблом выпущено свыше 420 альбомов, объединенных в несколько интереснейших серий. Серия "Composer" представляет концертные работы тех, кого Зорн причисляет к ведущим современным композиторам (авагнардным, прежде всего) - от Мортона Фелдмана до Фреда Фрита, от Дерека Бэйли до Эллиотта Шарпа, да и самого Зорна (в этой серии вышли его сочинения "The Book Of Heads", "The String Quartets", "Songs From The Hermetic Theatre", "Duras: Duchamp" и др.). В серии "Film Music" - киномузыка таких видных представителей нью-йоркского (и не только нью-йоркского - физически эти люди иногда живут далеко от Нью-Йорка) Даунтаун-авангарда, как Билл Ласвелл, Фрэнк Лондон, Икуэ Мори, Фред Фрит, Уэйн Хорвитц и др. "New Japan" представляет мировому слушателю яркие работы японских авангардистов - от Ёсихидэ Отомо и Макигами Коити до группы Ruins. Но основу репутации лейбла Tzadik (и - чисто количественно - основную часть его каталога) составляют альбомы, объединенные в серию Radical Jewish Culture. Имена музыкантов, выпускающих свои работы в этой серии, составляют гордость Даунтаун-авангарда: Стивен Бернстайн, Бен Перовски, Зина Паркинс, группы Naftule's Dream и New Klezmer Trio, Эрик Фридландер, Марти Эрлих, Бора Бергман, Энтони Коулмен, Марк Рибо, Джейми Сафт, Фрэнк Лондон... Вклад еврейских музыкантов в мировую культуру, причем в радикальную - авангардную экспериментальную - культуру; так определяется смысл, по которому в эту серию включаются работы тех или иных авторов. Были случаи, когда Зорн, как исполнительный продюсер лейбла, отвергал принесенные ему работы, потому что автор не мог с уверенностью определить, что именно в его записи такого уж еврейского. Было и наоборот - авторы считали, что наличия мотивов еврейской музыки и отсылок к истории еврейского народа достаточно для включения записи в серию RJC, но Зорн отвергал работу по причине недостаточной ее радикальности (то есть авангардной экспериментальности).

Впрочем, почему бы нам не дать слово самому Джону Зорну? Лейбл Tzadik - его детище, причем успешное детище, так что кто лучше его сможет рассказать о нем?

Беседа с Джоном Зорном состоялась в Нью-Йорке в конце февраля текущего года; автор выражает глубокую признательность Петру Ганнушкину (сайт Downtownmusic.net) за неоценимую помощь в организации интервью - Джон человек непростой, интервью практически не дает, во всяком случае - американской прессе.

Как вы можете определить идеологию лейбла Tzadik?

- Это сложный вопрос... я постараюсь ответить настолько ясно и коротко, насколько возможно. Обильный негативный опыт, который накопился у меня благодаря работе с множеством разных крупных и мелких лейблов в музыкальном мире, заставил меня задуматься о том, что, быть может, я смогу найти систему работы, при которой к артисту относились бы честно и с уважением, и выпускали бы его музыку, не устраивая всей той... (длинная пауза) хреновины, через которую вынужден был пройти я (смеется). Не буду вдаваться в детали того, через какую именно хреновину я проходил на других лейблах. Но моя идея относительно того, как должен был бы действовать Tzadik, заключалась в том, что со всеми артистами должны обращаться одинаково.
Каждый артист получает для записи одинаковый бюджет - пять тысяч долларов.
Вознаграждение определяется путем раздела прибыли - мы сначала возвращаем потраченный на запись бюджет, а затем делим прибыль с артистом.
За артистами остаются права на отчисления от продажи физических копий записей (mechanical royalties), и мы тщательно следим за их выплатой.
Альбомы выглядят действительно хорошо, и делается это честно - самая лучшая полиграфия и упаковка.
Наконец, мы создаем каталог новой музыки, - музыки, которая создается сегодня. Музыки, которая ставит вопросы, которая экспериментирует, которая находится, в определенном смысле, в авангарде.
Наконец, я с самого начала создал несколько серий, в которые объединялись выпускаемые лейблом альбомы. Композиторскую серию (Composer Series), серию "Радикальная еврейская культура" (Radical Jewish Culture), японскую серию (New Japan), серию саундтреков (Film Music) - в общем, серии, посвященные тем вещам, которые действительно интересуют меня самого, как продюсера.
Кроме того, еще одним важным элементом при создании лейбла для меня было то, что я хотел найти место, где могли бы выйти все мои работы. Выйти в том виде, в каком я хотел их видеть, постоянно находиться в допечатке (в США не изготавливаются фиксированные тиражи CD, а производится их допечатка, покуда предыдущие тиражи пользуются спросом; таким образом, in print - в постоянной допечатке - остается множество пользующихся спросом альбомов прошлых лет, иногда по несколько лет и даже десятилетий подряд. - КМ.). И чтобы они выглядели так, как я сам хочу, и чтобы никто не говорил мне ничего... (длинная пауза) ...другого.
Звучит как набор довольно сложных задач, правда? И десять лет назад, когда я запускал этот лейбл, это звучало ничуть не проще. Для фирмы грамзаписи совсем непросто пытать счастья с молодыми артистами-экспериментаторами. И даже если они пытаются выпускать их записи, они, как правило, упираются в то, что эти записи не приносят сразу же больших денег. И тогда записи, над которыми кто-то долго и упорно работал, исчезают навсегда, а это ведь позор, что такое происходит.
Я также хотел помочь [музыкантскому] сообществу, которое вскормило меня, сообществу, в котором я появился [как музыкант]. Одним из лучших способов помочь ему я считал документирование - выпуск записей того, что мы в этом сообществе создаем, чтобы мир был в курсе того, что мы есть.
Итак, вот три основных причины того, что я создал лейбл Tzadik: во-первых, я хотел, чтобы весь каталог моих собственных записей был доступен через единый лейбл; во-вторых, я хотел документировать музыку, создающуюся определенным сообществом музыкантов; и, наконец, я хотел создать лейбл, который относился бы к музыкантам честно и с уважением.

Вы достигли этих целей? И сразу ли вы ставили их перед собой в таком комплексе?

- Да, буквально в первый же год мы начали решать именно эти задачи. И, надо сказать, все пошло вполне удачно. Я выработал систему работы лейбла, и она оказалась вполне хороша. Мы установили контакты с заводами-производителями CD, и все заработало.

Чуть подробнее об этой системе. Как Tzadik работает как бизнес, как предприятие? Есть ли у него штат, офис и т.п.?

- У нас нет штатных работников. Никто не получает фиксированную зарплату. Это, скорее, кооперативное хозрасчетное предприятие, можете, если хотите, называть его социалистическим предприятием: оно работает по принципу раздела прибыли. Все у нас делится на равные доли, как я уже сказал: музыканты получают равные бюджеты на запись каждого альбома - 5000 долларов (в США запись традиционно делается за счет артиста, а не за счет лейбла - КМ). Один и тот же человек делает мастеринг для всех наших альбомов, получая одинаковое вознаграждение за каждый альбом - тысячу долларов (это легендарный аудиоинженер Аллан "Tuck" Таккер, создатель первой в Нью-Йорке студии цифрового мастеринга Foothill Digital на базе программно-аппаратного комплекса Sonic Studio от компании Sonic Solutions, да что там - один из разработчиков и бета-тестеров АПК Sonic Studio, ставшего к середине 90-х индустриальным стандартом премастеринга Audio CD - КМ). И за дизайн каждого альбома, а с нами эксклюзивно работает один и тот же дизайнер (бруклинская художница Хен-Хен Чин - Heung-Heung Chin - по прозвищу Chippy. - КМ), тоже за одинаковый гонорар, пятьсот долларов за один альбом. Мой партнер Казунори (Кадзунори Сугияма, в 1980-е - начале 90-х - глава японских лейблов Avant и DIW, где тогда вышло множество работ Джона Зорна. - КМ) занимается всей дистрибьюцией нашей продукции и вообще всей деловой стороной работы лейбла. И еще есть одна женщина, которая координирует все производство дисков. И это - вся наша команда!
Прибыль мы делим следующим образом: Казунори, который занимается бизнесом компании, получает 25 процентов прибыли; компания удерживает 25 процентов; и, наконец, 50 процентов прибыли получают артисты. Но в конце года мы подводим итоги и, если мы не "выходим в ноль", то Казунори часто жертвует компании часть (иногда - значительную часть) своей доли прибыли, просто потому, что он щедрый человек - для того, чтобы держать компанию на плаву. Желанием держать дело на плаву объясняется и тот факт, что я не беру себе никаких денег от продаж моих записей: ни отчислений с продаж механических копий, ни отчислений за использование смежных прав, - все эти деньги от продажи моих собственных записей остаются в компании.
И я буду честен с вами - именно поэтому лейбл остается в живых. На этом лейбле в основном продается каталог моих записей. Ну, и еще записи нескольких артистов - Майка Паттона, Фреда Фрита, людей из рок-музыки. Но большинство записей - убыточны. Поэтому единственный способ оставаться в живых для нас - это субсидировать [лейбл]. Но мы не ищем внешних источников субсидий. Это я субсидирую лейбл из собственных роялти и собственной доли прибыли от моих собственных работ!

Немного о том, что несет работа с Tzadik артисту и его аудитории. Как артист, довольны ли вы сами охватом вашей потенциальной аудитории? Будучи выпущенными лейблом Tzadik, а не каким-нибудь мэйджор-лейблом, доходят ли ваши работы до того количества слушателей, до которого вы хотели бы их донести?

- Начну с того, что мы (Tzadik - КМ) не рекламируем свою продукцию вообще. Мы не посылаем журналистам промо-копий наших релизов. Мы, правда, отправляем примерно десять экземпляров каждого релиза тем радиостанциям - по всему миру! - которые, как мы знаем, будут крутить в эфире наши записи. Но в целом мы не рассылаем средствам массовой информации бесплатных экземпляров. Вообще.
Люди, которые хотят найти эту музыку - найдут ее. Особенно теперь, когда есть Интернет.
Так что в плане охвата аудитории... Конечно, мы могли бы делать и больше для того, чтобы охватывать более широкую публику. Но мы и так делаем довольно многое. Помимо нашей основной дистрибьюции в Северной Америке, у нас есть еще около 20 дистрибьюторов по отдельным территориям по всему миру, которым мы постоянно шлем то, что выпускаем. Мы стараемся делать то, что можем, чтобы наши релизы распространялись по всему миру. Но я твердо верю в то, что люди, которым нужна эта музыка, будут искать ее и найдут. Вся эта музыка есть в наличии, и те, кто приходят на наш вебсайт, могут нажать на кнопку, заказать диск и получить его по почте в течение недели - те, кто ищут эту музыку, обязательно найдут ее.
Это не та музыка, которую можно насильно впихнуть потребителю, убедить его, что музыка ему понравится, раз на обложке напечатано что-нибудь сексуальное. Это совершенно другой вид музыки. Поэтому мое мнение таково: мы делаем все, чтобы эта музыка была доступна. И если вы хотите ее слышать, вы ее найдете!
Я хотел бы, чтобы мы продавали больше, чем сейчас. Но я счастлив, что мы смогли создать такой обширный каталог современной музыки. Ведь это более четырехсот альбомов, на сегодняшний день. И они представляют новое поколение новой музыки, музыки вне категорий, музыки вне маркетинга, музыки, не приведенной к "общему знаменателю". Это новая музыка, которую даже неизвестно, как назвать - я не читал ни единого умного критика, который написал бы хоть одно умное слово о том, что мы делаем. И это здорово: это - музыка, которая, так сказать, "проваливается в промежутки" [между популярными жанрами]. Так происходит с любой великой музыкой - она плохо поддается определениям.
Поэтому я твердо верю в миссию нашего лейбла. Я верю, что мы создали каталог отличных работ, в которые я верю, и мы будем продолжать выпускать эту музыку, а люди, которые заинтересованы в этой музыки, будут приходить к нам и покупать ее.

Традиционная музыкальная индустрия, базирующаяся на проприетарной модели (продажа механических копий звукозаписи с правом исключительно личного потребления), находится сейчас в кризисе, прежде всего благодаря вызову со стороны новой среды бытования и распространения музыки - глобальных сетей передачи информации, стремящихся, если можно так выразиться, к анти-проприетарности. Каково в этих новых условиях будущее для такого лейбла, как Tzadik, повлиял ли на его деятельность кризис традиционной модели?

- Все это повлияло на нас не так сильно, как на мэйджор-лейблы, на международные корпорации. Они - да, пострадали. Но я думаю, что и люди верят в то, что мы делаем, и их, так сказать, дух поддержки проявляется в том, что они покупают наши альбомы - и таким образом поддерживают то, во что верят.
Но, конечно, загрузка музыки по сети становится все популярнее, и мы создаем сейчас сайт, откуда можно сгружать нашу музыку. Наша продукция уже есть в службах iTunes и eMusic (крупнейшие онлайновые mp3-службы, где загрузка каждой композиции - платная, но стоит совсем недорого - скажем, 25 центов за 1 композицию. - КМ), где мы - один из пяти лейблов, чья продукция сгружается пользователями сети чаще всего! Это значит, что небольшие лейблы намного популярнее мэйджоров у тех, кто загружает себе музыку из Интернета, потому что люди хотят ознакомиться с той музыкой, которую еще не слышали. Так что нас сгружают довольно много, это дело хорошо работает. Но мне кажется, что люди будут продолжать покупать ПРЕДМЕТЫ. А значит, компакт-диски еще будут продолжать жить. Я не говорю, что они будут существовать вечно. Но сейчас люди продолжают их покупать, им нравится владеть ими, особенно если они хорошо выглядят - поэтому мы стараемся делать отлично выглядящие CD с красивыми буклетами. И при этом люди слушают и mp3. Так что я думаю, что это время - очень здоровое время для музыки.
Всегда существовали люди, которые не могли позволить себе покупать музыку и находили иные способы добыть то, в чем они нуждались - переписывая музыку на пленку, или копируя CD, или загружая mp3, или просто воруя ее. Это никуда не делось. Когда я был молод, я и сам брал диски в библиотеке и переписывал их на пленку. Но я также верю и в честность нашей аудитории. Наша аудитория - необычная, она верит в то, что мы делаем, и осознанно тратит деньги на покупку того, что мы делаем. Так что мы - в особом положении, и наши дела идут неплохо.
Наша аудитория интернациональна - у нас есть устойчивая дистрибьюция в Австралии, Индонезии, Гонконге, Корее, во всех европейских странах... Это значит, что наша музыка ценится, что люди хотят нового, что они устали от устаревшего барахла. Это значит, что не у всех людей промыты мозги Старшим Братом.
Во множестве стран, особенно в Соединенных Штатах, сейчас властвуют очень, очень мрачные режимы. Люди подавлены, они ощущают политическую безнадежность этого мира. Но в то же время всегда существует маленькая ячейка людей, у которых работают мозги. Людей, которые хотят и будут бороться. И я глубоко верю в то, что эти люди выживут и победят. История уже видела такие примеры, и они будут продолжаться.

Имеет ли эта позиция отношение к названию самой обширной и популярной серии альбомов лейбла Tzadik - "Radical Jewish Culture"? Я подчеркиваю здесь слово Radical...

- Ну нет, слово "радикальный" я употребляю вовсе не в политическим смысле. В названии серии Radical Jewish Culture определение еврейской культуры как "радикальной" дается в музыкальном смысле, потому что эта серия представляет экспериментальную музыку, авангард. Эта серия не посвящена вообще всей еврейской музыке. Мы не выпускаем клезмер, не выпускаем традиционную народную музыку. Мы выпускаем записи артистов, которые своим творчеством ставят вопросы, ищут новое. Вот что для меня означает слово "радикальный" в названии этой серии.

Каковы, в таком случае, рамки слова "авангард"? Включают ли они, допустим, фри-джаз?

- Ну нет. Фри-джаз - не авангард, это музыка сорокалетней давности! В 60-е, когда мне было 16-17 лет, фри-джаз был остро актуален, а диксиленд был музыкой сорокалетней давности. И тех, кто слушали диксиленд, мы называли moldy figs (заплесневелыми фигами, т.е. старыми перечницами - КМ.). А теперь музыка сорокалетней давности - это фри-джаз. И те, кто им занимается - заплесневелые фиги! Разве это - новая музыка?
Я думаю, очень важно понимать, что авангард, экспериментальная музыка - это не звучание, не какой-то определенный стиль. Это способ смотреть на мир, это способ жить. И этот способ постоянно изменяется. Для меня авангардная музыка - это не то, что происходило много лет назад, это то, что происходит сейчас, поднимает вопросы сейчас. Правда, я считаю, что важно и продолжать эксперименты прошлого, радоваться музыке прошлого. В конце концов, было время, когда Джон Кейдж и Алберт Айлер были моими героями. Они были великими музыкантами. Но я не хочу сейчас делать то, что они делали тогда. Я хочу делать что-то иное. Для меня это и есть следование духу экспериментального авангарда. Для меня идея авангарда - вовсе не следование концептам из прошлого: это - подход, свойственный скорее классической музыке или неоклассицизму. Концепция современной экспериментальной музыки - оторваться от прошлого и двигаться в будущее, пробуя делать те вещи, что никто еще не делал.

Несколько лет назад я интервьюировал звукоинженера Джима Андерсона (один из ведущих звукоинженеров США, работающих с импровизационной музыкой, записавший значительное число известных работ Зорна-продюсера и Зорна-музыканта, в том числе студийные альбомы проекта Masada - КМ.) , и он сказал мне, что из всех продюсеров, с кем он работал, четкое видение звучания будущей пластинки есть всего у нескольких человек, в том числе у Джона Зорна - вот его слова: "он очень четко знает, чего хочет. Если что-то нравится ему, ты сразу это знаешь. Если не нравится - тоже. У него никогда не бывает этих "я не уверен", "может, попробуем еще разок" и т.п. У него всегда есть четкая концепция, и он уверенно к ней идет"...

- Правда, он так сказал? Здорово. Это мне льстит!

Так вот мой следующий вопрос я хотел вам задать все эти годы, что прошли после интервью с Андерсоном: в чем же заключается эта ваша звуковая концепция, ваше видение звука?

- Уфф!.. Мне кажется, концепция меняется в зависимости от проекта, над которым я работаю. Но если попытаться найти единое определение... Одно слово... нет, все-таки, пожалуй, не одно (смеется). Сила, интенсивность, прямота. Мне нравится, когда музыка ударяет прямо в лицо слушателю, мне не нравится, когда между слушателем и его переживанием музыки что-то стоит - в частности, обширная реверберация. Ну, за исключением случаев, когда реверберация сама есть часть звучания. Короче говоря, мне нравится, когда все звучание вынесено на передний план и когда оно действительно прямолинейно, мощно и ясно. Мне нравится слышать одинаково четко все элементы звучания. И в этом нет ничего особенно радикального. Но я вполне радикален в достижении этой цели: я просто очень хорошо понимаю, чего добиваюсь, я слышу, когда это не получается - и когда это получается, я тоже это слышу. За счет этого я могу быть вполне конкретен в разговоре с музыкантами и со звукоинженером, объясняя им, чего я добиваюсь. Я могу точно объяснить, какого звука барабанов я добиваюсь и, следовательно, как именно нужно настроить барабаны и снимать их звук; я могу объяснить, чего я хочу от гитариста - например, если это Марк Рибо, мы обсуждаем с ним, какие именно гитары он будет использовать в данном проекте, какие приборы, усилитель и т.п. будут приемлемы или неприемлемы в этом конкретном случае. И так с каждым музыкантом. Для меня это - ноты, как в классической музыке, хотя эта музыка и не нотируется, как классическая. Но это - важнейшая составляющая: звучание. Интересно, что в классической музыке есть стандарты звучания каждого инструмента: вот это - идеальное звучание скрипки, вот это - идеальное звучание кларнета. В импровизационной музыке нет таких стандартов, звучание разнится в зависимости, прежде всего, от исполнителя, далее - от инструмента, от струн, которые на нем стоят, от усилителя, которым пользуется гитарист, или от трости саксофона... - все это воздействует на изменение звучания самым радикальным образом. Поэтому хороший аранжировщик должен не только знать, как правильно соединить звучание флейты и кларнета, или - струнной секции и перкуссии; современный композитор должен также знать технику звукозаписи и современные электронные инструменты, и хорошо понимать, как использование этих средств позволяет добиться звучания, которого он ищет. И поэтому я очень точно знаю, чего я добиваюсь от каждого инструменталиста и от звукоинженера. Но я не только даю, я и беру. Мне нравится быть в центре совместного творчества, мне нужен не только мой собственный взнос в общее звучание, но и взнос всех остальных музыкантов. Я вовсе не обязательно всегда и в полной мере принимаю его, но я в полной мере принимаю факт, что другие люди разбираются во многих вещах лучше меня, и их знания очень ценны для меня в процессе принятия решения.

Ну что же, спасибо вам за интервью, и, надеюсь, мы еще увидим вас - ведь ваш концерт в Москве с Electric Masada в 2004 г. был не последним вашим появлением в России?

- Конечно, нет! На самом деле, я приезжаю довольно скоро - 21-23 мая у меня два концерта в России, в Москве и Санкт-Петербурге, я приеду с проектом Painkiller по приглашению Саши Чепарухина из компании Greenvawe Music. Так что - до встречи в России!

Дополнено для Stich: Нашёл ещё кое-что для тебя, Дружище!
PAIN KILLER
Оценка концерта зависит от ожиданий. Идя на концерт проекта Pain Killer, хотелось, чтобы голова разорвалась на мелкие кусочки. Череп цел. Но губы то и дело норовят вывести какой-нибудь мотив, похожий на саксофонный.
Клуб "Порт" полон многочисленными зрителями - патлатыми металлистами, бритыми мужичками в джинсовых куртках, девушках в немыслимах юбках. Ничего удивительно - то, что было авангардом в начале 90-х, теперь превратилось в целое движение. Теперь Pain Killer не одиноки в своей нише. Но ведь они были первыми! Разнообразие в публике - и общее томительное ожидание. Спустя сорок минут после того, как публику пустили в заведение, из-за двери в зал начинают слышаться звуки барабанов, баса и саксофона. Даже этот глухой микс обещает многое.
Пускают в зал. Чей-то голос рассказывает, что драммер Тацуо Йошида (Tatsuo Youshida) не первый раз в России (он выступал здесь с собственной группой Ruins и шведами Samla Mammas Manna), что все они прибыли в город извилистыми авиа-путями, что райдера у группы нет...
На сцене - три личности. Барабанщик Йошида, заменивший в реинкарнации проекта ударника Napalm Death Мика Харриса (Mick Harris) - в очках и футболке с огромными губами, басист Билл Лассвел (Bill Laswell) щеголяет в феске, а на Джоне Зорне (John Zorn) - широкие штаны защитного цвета. Джонни Аллен от авангарда.
Они начинают играть - и сначала музыка медленна, расплывчата и даже мила. Но темп убыстряется - и заканчивается психоделика. Ласвелл начинает использовать окружающие примочки, Зорновкий саксофон уже не поет, а ворчит и стонет...
Наверное, это джаз - потому что в сценическом варианте Pain Killer можно легко разобрать на три составляющие. Безусловно, музыканты - виртуозы. Без башни и правил. Такие, что спокойно могут играть и вдвоем: сакс и бас забавляются с эмбиентом, ритм-секция углубляется в фанк и прочие танцевальные стили, а Зорн и Йошида просто-напросто насилуют чувства слушателей. Даже барабанное соло, стандартный, казалось бы, элемент джазового концерта, превращается в короткую зарисовку о сущности ярости.
Из дум-металла трио легко может перенестись в диско, которое через несколько секунд будет убито и закопано в шквале шума. Басист периодически снимает бас, чтобы, схватив ремень зубами, надеть его поудобнее. Изо рта саксофониста брызжет слюна - в самые светлые моменты она медленно течет из мундштука.
А публика практически не шевелится - но после каждой композиции ревет не хуже самого проекта. Два биса: во время первого Тацуо воет и шепчет в микрофон, пропуская вокал через эхо-эффекты. На втором музыканты играют в тот самый грайнд-кор, который их и прославил. Ощущение, что к одному уху подвесили гирю, а к другому - голубиное перо, а у самой головы сорвало резьбу.
Странно, но, простояв весь концерт у колонок, после не испытываешь никакого дискомфорта. Видимо, результаты часовая терапия шумом. Чудесная все-таки музыка. Лечебная.
Вот и всё. С уважением - Heepie.

Дополнено для Ефа и Stich: Нашёл я откуда можно бесплатно скачать 12 (!) песен этой группенции:

Чтобы увидеть ссылку
зарегистрируйтесь или войдите